Terrazzo
UV direct printing on floor covering
375 x 250 cm
2016

 

Solnhofer Plattenkalk
UV direct printing on MaxiSilk Paper, Aluminium
120 x 80 cm
2016

Wall paint/Wandfarbe
'Borrowed Light' No. 235, Farrow&Ball

Borrowed light is a color shade by the English paint manufacturer Farrow&Ball. This tone is meant to bring more light into small spaces and its appearance ranges between pale blue and pastel mint green, depending on the incidence of light. You can never quite pin it down.

With respect to the history of photography, this shade and its name also take on another level of interpretation. Indigenous peoples, first photographed by European ethnologists in the course of missionary journeys, long held the notion that their souls were stolen in the process of being photographed. The idea of the stolen shadow, however, extends into European Romanticism, for example, as is apparent in Chamisso's "Peter Schlemihl's wundersame Geschichte".

 

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Press release C/O Berlin, 2016:

White cube, framed photographs, lighting, image title, wall text – and the classic standard exhibition is done! But how does a presentation take shape when the location itself is the subject of the exhibited photographs? If the room is not only the frame but rather the content and artwork at the same time? Bianca Pedrina conceptualized an exhibition just for the Amerika Haus and experimented with the characteristics of the building. She brings out concealed levels, moves hidden elements to the foreground and enlarges building details into over-dimensional installations. In this way, her intervention expands the real space and eloquently blends in with the exhibition hall. Her images are room modules – sometimes in relatively easy-to-miss sizes, sometimes as large, life-size cut-outs of them. She breaks through the guided view of the visitors with this playful doubling and these photographic reflections to enable a perception beyond the surface, a look into the physical matrix of an exhibition space.

Bianca Pedrina’s focus does not rest on the architectural highlights or on a critique of stylistic trends. Instead she presents unspectacular details – blank walls, banal interstices, floor rows or typical cracks in the dry wall. The deep vestiges of human lives, however, often reside in overlooked and seemingly empty spaces. Humans are never so present anywhere else as they are in their actions and their creations. In Bianca Pedrina‘s architectural nude photography, an erotic exposure with intimate blemishes emerges. Instead of stasis, façade and the art of building, she traces the connective tissue of the material. In a world that counts sleekness among the most essential ideals of beauty, this intimate architectural photography offers an organic antithesis without the need for the emergence of real life.
       
Her motifs reveal what architecture really wants to conceal. They portray the demystification of the art of building and the inevitability that becomes apparent in tedious details. But in no way is the bold fashion of street art photography intended to discover torn posters on building walls or faded graffiti tags as a supposedly cool motif. The opposite of street art or glorified architectural photography is portrayed: Not just uniqueness but rather similarity and often selected with the disappointing traces of normal wear and tear. More than merely the personality of the individual is pursued – rather the traces that deny human individuality and reveal wear caused by people as well.

Bianca Pedrinas‘ works function like a encyclopedia entry, as they never depict something real, but rather only refer to something of overriding importance. She interprets extended photography, the topic of this year‘s talent series, through the objective use of photography as a tool for the transfer of ideas. Bianca Pedrina resides in the tradition of concrete art with her radical negation of the individual and of subjective emotions. At the same time, the single frame is not what‘s decisive, but more its meaning in the immediate surroundings. As such, she aligns herself with the tradition of minimal art, for which the singular work does not constitute the work, but rather the exhibition itself.

 

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Pressemitteilung C/O Berlin, 2016:

White Cube, Fotografien gerahmt, Ausleuchtung, Bildtitel, Wandtexte – und fertig ist die klassisch-genormte Ausstellung! Wie jedoch gestaltet sich eine Präsentation, wenn der Ort selbst Sujet der ausgestellten Fotografien ist? Wenn der Raum nicht nur Rahmen, sondern zugleich Inhalt und Kunstwerk ist? Speziell für das Amerika Haus hat Bianca Pedrina eine Ausstellung konzipiert und mit den Eigenheiten des Gebäudes experimentiert. Sie holt verborgene Ebenen hervor, rückt versteckte Elemente in den Vordergrung und vergrößert Baudetails zu überdimensionalen Installationen. So erweitert ihre Intervention den realen Raum und fügt sich still, aber eloquent in den Ausstellungssaal ein. Ihre Bilder sind Raummodule – manchmal im leicht zu übersehenden, kleinen Maßstab, manchmal als übergroße Starschnitte ihrer Selbst. Mit dieser spielerischen Doppelung und fotografischen Spiegelung durchbricht sie den gelenkten Besucherblick und eröffnet eine Wahrnehmung jenseits von Oberfläche, einen Blick auf die physische Matrix eines Ausstellungsbetriebes.

Der Fokus von Bianca Pedrina liegt nicht auf architektonischen Highlights oder auf einer Kritik an stilistischen Trends. Vielmehr präsentiert sie unspektakuläre Details – blanke Wände, banale Fugen, Bodenfluchten oder herkömmliche Risse im Putz. Gerade in dem oft Übersehenen und der scheinbaren Leere lagern sich jedoch tiefe Spuren menschlichen Lebens ab. Nirgens ist der Mensch so präsent wie in seinen Handlungen und seinem Schaffen. In der architektonischen Aktfotografie von Bianca Pedrina taucht eine erotische Entblößung mit intimen Makeln auf. Statt Statik, Fassade und Baukunst spürt sie das Bindegewebe des Materials auf. In einer Welt, in der Glattheit zu den essentiellen Schönheitsidealen zählt, setzt diese intime Architekturfotografie einen organischen Gegenpool, ohne dass das Auftauchen von realem Leben notwendig ist.

Ihre Motive offenbaren, was Architektur eigentlich verstecken möchte. Sie bilden die Entzauberung der Baukunst ab und das Unvermeidliche, welches sich in lästigen Details abzeichnet. Doch ist keinesfalls die plakative Mode der Street-Art-Fotografie gemeint, zerrissene Plakate auf Häuserwänden oder verblasste Graffitikürzel als vermeintlich coole Motive aufzudecken. Gezeigt wird das Gegenteil von Street-Art oder verherrlichender Architekturfotografie: Nicht das Einzigartige, sondern das Gleiche, oft gekürt mit der enttäuschenden Spur des gewöhnlichen Gebrauchs. Nicht der Persönlichkeit eines Individuums wird nachgegangen, sondern den Spuren, die eine menschliche Individualität verneinen und den durch Menschen verursachten Verschleiß aufzeigen.

 

Bianca Pedrinas Arbeiten funktionieren wie ein Lexikonartikel, denn sie stellen nichts real dar, sondern verweisen lediglich auf etwas Übergeordnetes. Extended Photography, das Thema der diesjährigen Talents-Reihe, interpretiert sie durch die sachliche Verwendung von Fotografie als Werkzeug zur Ideenvermittlung. Mit der radikalen Verneinung des Individuums sowie subjektiver Gefühlsbilder steht Bianca Pedrina in der Tradition der Konkreten Kunst. Zugleich ist nicht das Einzelbild, sondern seine Bedeutung in der unmittelbaren Umgebung entscheidend. Damit reiht sie sich in die Tradition der Minimal Art ein, bei der nicht die singuläre Arbeit, sondern die Ausstellung an sich das Werk ist.